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MINHA PAIXÃO HÁ DE BRILHAR NA NOITE
NO CÉU DE UMA CIDADE DO INTERIOR
COMO UM OBJETO NÃO IDENTIFICADO
NÃO IDENTIFICADO (CAETANO VELOSO)

Considerando o cenário no qual o cinema brasileiro se encontra, desvalorizado por uma boa parcela do público e sendo atacado constantemente por forças políticas utilizando motivos talvez mais arbitrários do que se possa admitir, é admirável como a sétima arte resiste entregando filmes marcantes como Bacurau.

Co-escrito e dirigido por Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles, Bacurau é o sucessor de Aquarius, outra obra de Mendonça envolta em debates políticos por conta de um protesto contra o impeachment da ex-presidente Dilma Rousseff, realizado pela equipe criativa durante o Festival de Cannes em 2016. Ainda que a obra tivesse alguma ligação com a “memória seletiva” do nosso país, ela não era tão evidentemente ferrenha em sua crítica ao atual momento político como é Bacurau.

“Daqui alguns anos” a pequena cidade de Bacurau sofre com a perda de Carmelita, uma das figuras mais importantes do lugar. Tentando seguir em frente, os habitantes continuam enfrentando a falta de recursos básicos, como água. Mas as coisas começam a realmente ficar estranhas quando percebem que aquela comunidade desapareceu do mapa e algo perigoso pode estar se aproximando do lugar.

Esse é o tipo de filme que não é estragado de forma alguma se pontos específicos da trama são revelados, mas vale a pena tentar assistir a obra sem repertório algum por conta da maneira como os diretores brincam com o cinema de gênero, inserindo elementos de western, fantasia e até um pouco de ficção científica. Os trailers tentaram entregar menos informação possível, então quem assiste o filme sem saber do que se trata pode acabar achando mais divertido se surpreender com os rumos tomados por ele. Eu não costumo ter problemas com coisas como spoilers, mas minha confusão inicial na primeira meia hora de sessão foi recompensada da melhor maneira possível, então acho justo indicar que assista sem saber do que realmente se trata. Por isso, tento deixar essa crítica voltada na maior parte aos temas e a condução geral de Mendonça e Dornelles.

Não é difícil encontrar paralelos entre a situação dos cidadãos de Bacurau e o que o nordeste vem passando nas mãos do atual governo, mas o filme não foca apenas na negligência e a ignorância evidente de pessoas que procuram diminuir uma classe já afetada, ele vai além. Nos últimos anos, temos visto um aumento assustador de pessoas procurando legitimar um passado lastimável para justificar um comportamento agressivo e arrogante, sem contar aquelas que acreditam estar inseridas em um grupo privilegiado da sociedade, mas no fim estão sendo usadas como todos os outros.

Os personagens interpretados por Karine Teles e Antonio Saboia são apresentados como dois forasteiros de propósito duvidoso, mas algumas características envolvendo sua naturalidade e o desejo de fazer parte do núcleo antagônico do filme deixam clara a intenção dos diretores em exibir um país onde alguns de seus habitantes não hesitam em entregá-lo de bandeja para o exterior (no caso, a América do Norte e a Europa) pela chance de serem vistos como “iguais”. É uma lástima reconhecer que sequências como esta são as menos fantasiosas do longa.

Em contraste ao comportamento “insatisfeito” dos brasileiros inseridos no grupo dos forasteiros, podemos ver como a pequena comunidade exibe com orgulho seu modesto museu e mantém suas tradições, praticando capoeira e tomando suas substâncias psicotrópicas sem problema.

“Ele só sai de noite. Ele é bravo!”

Ainda sobre o elenco, Udo Kier é a grande surpresa. O veterano alemão assume o papel de liderar o núcleo antagonista, e o pouco que posso dizer é que ele opera em um nível mais sério que seus companheiros, por vezes caracterizados de maneira um pouco caricata, como no caso dos personagens de Brian Townes ou Julia Marie Peterson; mas por estarmos diante de um exercício do diretor em explorar o cinema de gênero, com ecos que vão de John Carpenter a Paul Verhoeven, essa abordagem é mais que bem-vinda.

Na comunidade de Bacurau encontra-se todo tipo de habitante, e nós conhecemos personagens cativantes, como Pacote, interpretado por Thomas Aquino; ou Lunga, de Silvero Pereira. Os dois são homens fortes do cotidiano violento, fazendo o que for necessário pelo seu povo. É pertinente que Mendonça também traga de volta alguns atores com quem já colaborou, como Bárbara Colen e Sônia Braga. Colen pode ser vista como a protagonista do longa, mas é toda a população de Bacurau que forma o coração da obra. A atriz tem a tarefa de carregar uma interpretação mais contida e calma, o que funciona bem em contraste com a personagem de Braga, a enfermeira Domingas, outro desempenho excelente da atriz, que vai na contramão do que realizou em Aquarius, apresentando aqui uma mulher mais arisca e frágil.

A direção de Mendonça e Dornelles respeita todos os gêneros que pretendem experimentar, com um pouco da atmosfera voltada para o suspense e o terror e a montagem de ação faroeste, com transições e fusões simples, mas eficazes. O filme também é bastante sensorial, como na tomada aérea inicial ao som de “Não Identificado”, na voz de Gal Costa, onde esbarramos em um satélite e encaramos a geografia do estado. Outro tópico que vale menção é o uso da violência, que pode criar um debate arriscado sobre o que os diretores querem passar de verdade, mas essa é uma obra de reação bastante simbólica, não há arma mais poderosa que conhecer a própria história, o que faz de escolas e museus abrigos impenetráveis. Podemos ver como Bacurau protesta e faz questão de manter viva a nossa identidade, sem esquecer daqueles que morreram para protegê-la.

“E quem nasce em Bacurau é o quê?”
“É gente”

Brit Marling e Zal Batmanglij são uma dupla fascinada por narrativas com elementos de ficção científica. Ela atuou e co-escreveu todos os projetos de Zal para o cinema, além de protagonizar a série The OA. O primeiro projeto deles foi o curta The Recordist, de 2007, sobre uma personagem paranoica que acredita estar diante de uma forma de vida alienígena quando encontra Charlie, interpretada por Marling. Essa premissa parece ser bastante confortável para a dupla, já que continuaram abordando temas parecidos sobre conspiração, realidades absurdas e delírio em seu primeiro longa metragem, A Seita Misteriosa (Sound of My Voice, no original), em 2011.

Peter Aitken e Lorna Michaelson são um casal preparando um documentário sobre um culto dedicado a adorar Maggie, uma jovem misteriosa que alega ter vindo do futuro. Com cada nova sessão, eles encontram jeitos diferentes de tentar capturar algum tipo de fraude com uma câmera escondida, mas não contam com a sequência de eventos que os fará questionar tudo em acreditam.

Para combinar com a proposta dos protagonistas, algumas partes de A Seita Misteriosa são filmadas em um formato documental, com imagens de arquivo e um ótimo trabalho de montagem, com inserções repentinas contribuindo para a construção do drama entre os personagens, exibindo informações sobre o passado de cada um.

Christopher Denham e Nicole Vicius interpretam Peter e Lorna, respectivamente. Eles são competentes e mantém o interesse do público, mas é Marling, interpretando Maggie, que faz do filme algo diferente. A atriz tem o costume de estar no papel de figuras mais passivas e menos intimidadoras, mas aqui ela alterna entre um Messias procurando abraçar todos com um sorriso acolhedor e um olhar ameaçador que te faz entregar qualquer segredo. É difícil saber onde o filme está indo por conta disso, o que é um tremendo feito da atriz.

Essa é uma produção de orçamento modesto, o que eu costumo valorizar mais que qualquer blockbuster quando tem um bom resultado mesmo com todas as possíveis limitações. Execução é tudo e Zal Batmanglij explora ângulos simples mas eficazes durante sua apresentação do ambiente carregado de tensão na sala onde o culto é realizado. Sua noção de ritmo também contribui positivamente para a obra, que poderia ser bem mais lenta (e faria total sentido), mas acaba ficando tão dinâmica e envolvente que o desfecho parece chegar de maneira quase abrupta — e vale mencionar aqui que considero a conclusão a melhor opção possível para uma história como essa.

A Seita Misteriosa é simples e direto ao ponto, podendo extrapolar um pouco e arriscar entrar em território mais desnecessariamente absurdo, algo que eu adoro mas não faz sentido na narrativa mais realista que Brit e Zal constroem. Com pequenas ressalvas sobre o elenco coadjuvante ser pouco aproveitado ou a estrutura do filme em “capítulos” (a proposta original era de que a história fosse uma série) com sequências curtas demais, o que talvez distraia alguns. Mas ainda assim, há mais pontos positivos que farão você começar a questionar suas próprias crenças. Um bom roteiro, elenco e diretor é tudo que um filme precisa.

Brit Marling é conhecida por tentar manter a mesma equipe criativa em seus projetos. A roteirista e atriz esteve em todos os filmes de Zal Batmanglij, co-escrevendo longas como A Seita Misteriosa e a excelente série The OA. Mas outra colaboração que rendeu ótimos filmes foi ao lado de Mike Cahill, com quem Brit já namorava há alguns anos. Em 2011, os dois escreveram A Outra Terra (Another Earth), um filme de baixo orçamento mas bastante criativo, com a direção de Cahill. Como a maioria das criações dela, o longa é carregado de elementos de ficção científica, mesmo que de maneira sutil.

Rhoda Williams (Brit Marling) foi aceita no MIT, e para comemorar passa a noite se divertindo com amigos. Na mesma noite, um planeta similar ao nosso surge nos céus e é chamado de Terra 2. Distraída com o fenômeno, Rhoda não percebe quando bate seu carro em outro, resultando na morte do filho e da esposa grávida do compositor John Burroughs (William Mapother). Quatro anos depois, ela sai da prisão e retorna para a casa dos pais. Fica difícil aceitar a vida, então decide se inscrever em um concurso que levará alguém para a Terra 2, mas antes precisa confrontar o homem cuja vida ela destruiu.

A premissa é instigante, mas é a execução que realmente chama a atenção. Uma solução inteligente do roteiro foi jamais permitir que chegássemos ao outro planeta. Com exceção de uma pequena tomada da protagonista se imaginando em uma cápsula espacial, a totalidade do filme se passa na Terra “original”. A viagem para a Terra 2 é apenas um recurso narrativo, serve como plano de fundo para um drama delicado sobre os traumas da perda de Burroughs e a dificuldade de Rhoda para seguir em frente.

Cahill tem uma direção simples e orgânica, com segmentos de câmera na mão, mas sem deixar de lado alguns belos visuais. Há também algumas referências literárias sci-fi fáceis de notar, como uma edição do livro de Fundação, clássico de Isaac Asimov, na mesa de Rhoda. Quanto ao roteiro, temos um enredo com foco nos personagens e alguns bons diálogos, mesmo que as informações sejam reveladas gratuitamente para que a trama não fique travada. Não é algo ruim, mas desnecessário, considerando a inteligência que o filme demonstra.

A Outra Terra é um daqueles filmes pouco apreciados, mas que mereciam bem mais reconhecimento por sabe o que fazer com o orçamento modesto e todas as restrições sem comprometer sua qualidade.

Alguns filmes simplesmente passam despercebidos por algumas pessoas, e esse é o caso de Ataque ao Prédio, que não recebeu a atenção merecida quando foi lançado mas agora deve estar na lista de indicações de qualquer um. É uma produção pequena, com pouco orçamento (algumas páginas tiveram que ser retiradas do roteiro por conta disso), mas com uma proposta que funciona muito bem.

Sam (Jodie Whittaker) vive em um dos bairros mais violentos de Londres, tanto que uma noite é assaltada por uma gangue local, mas essa vira a menor de suas preocupações quando uma criatura cai dos céus e faz com que ela se una aos criminosos para evitar uma invasão alienígena. A gangue é formada por jovens que não parecem saber muito bem o que estão fazendo, mas ainda assim tentam salvar a cidade, independente da quantidade de traficantes e policiais atrás deles.

Dirigido por Joe Cornish, o longa tem uma premissa simples mas o enredo não se limita a ação e comédia, tendo ótimos diálogos com comentários ácidos sobre a negligência e a brutalidade policial e até uma alfinetada na maneira como as produções norte-americanas assumem o “protagonismo” de seu país durante invasões alienígenas. Você pode notar a maneira como o filme abraça o dialeto urbano de Londres, cheio de gírias e piadas envolvendo a tentativa de todos os jovens em assumir uma identidade intimidadora naquele ambiente.

Parte do que faz a comédia funcionar tão bem é o elenco. Jodie Whittaker costuma ser creditada como a protagonista, mas ela divide esse título com um John Boyega pré-Star Wars, interpretando Moses, o líder da gangue do bairro. Moses tem uma jornada significativa, descobrindo seu papel no mundo e a importância de assumir responsabilidades, tentando deixar de lado sua antiga imagem para provar ser mais que apenas um criminoso. Seus amigos Pest (Alex Esmail), Jerome (Leeon Jones), Dennis (Franz Drameh) e Biggz (Simon Howard) servem mais como alívio cômico – Pest sendo outro personagem com alguma mudança pessoal mais relevante. Além deles, Luke Treadaway e Nick Frost tem uma participação pequena, mas são ótimos de ver.

Outro mérito do filme é a criatividade da equipe na criação do design das criaturas alienígenas, utilizando efeitos práticos e uma boa noção de luz e sombra para mostrar apenas o necessário, deixando pouquíssimos exemplos de efeitos computadorizados, como nas sequências onde várias criaturas eram visíveis (considerando o fato que não haviam trajes o suficiente nos bastidores para interpretá-las).

Ataque ao Prédio tem um ritmo rápido e dinâmico e é inteligente na hora de empregar a música, um excelente trabalho da equipe de montagem, o que fez com que as situações cômicas e as cenas de ação sejam impactantes, mesmo com as restrições orçamentárias. É uma experiência divertida e rápida (o filme tem apenas uma hora e meia) que provavelmente agrada até aqueles fascinados por um pouco de gore, porque não falta sangue alienígena jorrando na câmera. Indicação sólida que espero agradar vocês.

Ficha Técnica
Título Original: Attack The Block (2011)
Direção de Joe Cornish
88 Minutos

Traçar a origem da ficção científica é uma tarefa complexa em vários meios, mas quando falamos sobre cinema, é comum considerar Viagem à Lua (Le Voyage dans la Lune, no original), de 1902, dirigido por Georges Méliès, o precursor do gênero na sétima arte. Ainda que tenhamos alguns filmes (na época apenas curta metragens) onde elementos fantasiosos sejam encontrados da narrativa, nenhum foi tão dedicado a uma jornada épica assumindo tantos princípios da ficção científica como a obra de Méliès.

O que pode parecer apenas um filme de treze minutos com uma premissa simples envolvendo um grupo de exploradores em missão à lua que se depara com os habitantes de nosso satélite natural, é na verdade um dos maiores feitos da história do cinema. Para entender melhor o filme e sua importância, devemos abordar Georges Méliès, a figura responsável por transformar imagens em movimento em uma expressão artística única.

Considerado por muitos (inclua cineastas do calibre de Martin Scorsese nesta afirmação) como um mágico do cinema, Méliès foi essencial para o avanço do cinema como arte, contribuindo com soluções inteligentes para realizar efeitos visuais em uma época onde a edição de películas era um conceito inovador. O uso de sobreposição e a experimentação com técnicas de stop-motion também tornaram-se populares por sua conta, além de ser creditado como um dos primeiros, se não o primeiro, a utilizar storyboards em suas produções. Vale mencionar que o diretor chegou a se dedicar ao árduo trabalho de colorir cada fotograma à mão para que o público pudesse ter uma experiência de como o filme seria com um visual mais vibrante. 

Francês, nascido em 1961, Méliès sempre mostrou interesse pelo teatro e trabalhou por um tempo desenvolvendo espetáculos ilusionistas, mas foi apenas quando atendeu uma das apresentações cinematográficas dos Irmãos Lumière que ficou fascinado, se deparando com a invenção do cinematógrafo. Os Lumière recusaram vender o aparelho para Méliès, que via o potencial da descoberta para entreter o público, mas os irmãos consideravam sua novidade uma contribuição puramente científica, não artística.

É curioso como a dupla é geralmente creditada como a responsável por inventar o cinema, mas nem sempre o ilusionista francês recebe a atenção merecida. Felizmente, Méliès comprou um dos dispositivos do eletricista Robert William Paul (outra figura pertinente para a história do cinema) e começou a exibir seus filmes no teatro Robert Houdin, mas não demorou para arriscar e utilizar a tecnologia de maneira revolucionária, tirando a câmera do lugar e escolhendo ângulos que favoreciam a narrativa. A criação dos Lumière evoluiu graças aos filmes de Méliès, e nenhum foi tão impressionante até o momento como Viagem à Lua.

Como mencionada anteriormente, a trama do filme é bem simples, mas o impressionante aqui não é o enredo em si, mas a narrativa visual do diretor. Se em 1968 o público ficou admirado com 2001 — Odisseia no Espaço, de Stanley Kubrick, e a maneira como tivemos uma elipse de milênios que serve como transição para a sequência inicial dos nossos ancestrais em contato com o monolito, imagine como foi a reação das pessoas ao ver um enorme projétil sendo lançado de um canhão e atingindo o olho da lua logo em seguida. Essa imagem não é icônica apenas por seu apelo visual, mas pelo magnífico esforço de Méliès em executar sua obra usando técnicas completamente inovadoras para a época.

Não há registros da recepção exata do público na época, mas o filme foi tão bem aceito que logo foi encomendado por vários lugares interessados em exibir a obra. Vários negativos da película foram roubados e copiados, e até Thomas Edison se envolveu nisso, removendo o nome do diretor nos créditos. 

Ao longo dos anos, várias imitações de Viagem à Lua foram surgindo, como o caso mais gritante de todos, Excursion dans la Lune(1908), de Segundo de Chomón, um plágio descarado da obra de Méliès, carregando tomadas idênticas e recriando a sequência do projétil sendo lançado ao espaço, desta vez sendo engolido pela lua. Chomón não foi o único, mas dedicou parte da sua carreira tentando fazer filmes envolvendo viagens fantásticas, e mesmo com essa “mancha no currículo” teve suas próprias contribuições para a sétima arte, como o excelente Le voyage sur Jupiter (1909)e o processo de colorização desenvolvido em conjunto com a Pathé, uma das maiores companhias de produção cinematográfica do mundo.

Com dificuldade para se manter relevante em uma indústria em crescimento, Méliès abandonou o cinema. Muitos de seus filmes foram perdidos, alguns queimados e o que restou foi restaurado por estudiosos alguns anos depois, surpreendendo o diretor, que pensava ter sido esquecido. Você pode saber mais sobre isso assistindo o filme A Invenção de Hugo Cabret, de Martin Scorsese, uma grande carta de amor para Méliès e os primórdios do cinema.

Viagem à Lua é uma obra que resistiu ao tempo e fascinou as pessoas, uma adaptação dos textos de Júlio Verne interpretada por um visionário essencial para a história do cinema e da ficção científica.

Assista o filme: 

Assista também os filmes de Segundo de Chomón!
– Excursion to the Moon (1908): https://bit.ly/2GqkvSq
– A Trip to Jupiter (1909): https://bit.ly/2Y9ocC3

50 anos da chegada do homem à lua.

Há 50 anos tivemos um dos maiores momentos de nossa história. Foi em 20 de Julho de 1969 que Neil Armstrong transmitiu a icônica declaração: “Esse é um pequeno passo para o homem, um enorme salto para a humanidade”. E como os filmes adoram representações e grandes feitos para fascinar o público, é óbvio que o pouso lunar seria um dos assuntos mais abordados pela sétima arte. Assim, decidi separar alguns filmes com a temática para assistir e entender um pouco mais dos bastidores desse evento. Nem todos são maravilhas cinematográficas, mas trazem algo para o debate, seja lidando diretamente com o primeiro pouso na lua ou com acontecimentos que desencadearam o evento. Vamos lá.

O Primeiro Homem (2018)

Um dos mais recentes da lista é o longa dirigido por Damian Chazelle. Primeiro Homem traz um ângulo diferente sobre a exploração espacial, dando um foco maior no cotidiano dos astronautas que logo estariam à bordo da Apollo 11. É uma boa escolha para compreender as preocupações de todos os envolvidos na missão.

Seja na terra ou na lua, o filme tem um tratamento visual primoroso, com aquele aspecto mais granulado da imagem, comum da gravação em película, que é bom e ajuda na textura e a aparência estética da década na qual o filme se passa. Ao lado do diretor de arte, Linus Sandgren, Chazelle usou o mais comum 35mm na maior parte do filme, mas para as tomadas espaciais preferiu o efeito IMAX do 70mm. O resultado é uma experiência sensorial marcante. Leia a crítica do filme aqui.

Os Eleitos: Onde o Futuro Começa (1983)

Um dos melhores desta lista, Os Eleitos foi escrito e dirigido por Philip Kaufman e o resultado é uma das obras mais envolventes sobre a exploração espacial, focando no alistamento da equipe responsável pelo Projeto Mercury. O filme mescla muito bem o drama com a comédia e o resultado é uma sátira sobre a maneira como a Nasa e o governo dos EUA tentaram desesperadamente superar os russos na corrida espacial. Ainda assim é uma das produções mais emocionantes sobre o assunto, com um ótimo elenco composto por nomes como Ed Harris, Dennis Quaid e Barbara Hershey, sem esquecer a maravilhosa trilha sonora de Bill Conti.

Estrelas Além do Tempo (2016)

Muito se fala sobre os homens envolvidos na missão para a lua, mas Estrelas Além do Tempo explora a vida de três matemáticas que foram essenciais para as pesquisas da Nasa. Além de serem mulheres, elas são afro-americanas e sofrem constantemente com o sexismo e racismo da época.

O filme foi dirigido por Theodore Melfi, que fez um trabalho competente em retratar a ambientação da década, mas o destaque está no elenco, com as atrizes Taraji P. Henson, Octavia Spencer e Janelle Monáe interpretando Katherine G. Johnson, Dorothy Vaughan e Mary Jackson, respectivamente. A obra concorreu ao Oscar em três categorias e merece ser assistido por conta da atenção dada às heroínas que infelizmente passaram anos sem receber a merecida atenção.

Apollo 13: Do Desastre ao Triunfo (1995)

Ron Howard não é um dos meus diretores favoritos, mas Apollo 13 é um longa que merece ser assistido. Ele narra mais uma jornada da humanidade, desta vez indo à bordo da Apollo 13, na missão que ficou conhecida pelos obstáculos que enfrentou para retornar os astronautas em segurança ao seu planeta de origem.

Aqui decidi colocar um filme que se passa depois da primeira missão espacial por abordar um lado contrário da Apollo 11, onde os membros tiveram que lidar com problemas durante a viagem em si. Esse é outro caso onde a direção é decente e o roteiro é bom, mas é o trabalho de montagem e o elenco que realmente fazem o filme funcionar, com estrelas como Tom Hanks, Bill Paxton, Kevin Bacon e, mais uma vez, Ed Harris, que esteve em Os Eleitos.

Lunar (2009)

Agora vamos para o futuro, um onde a humanidade precisa de recursos encontrados apenas na lua. Assim somos introduzidos a Sam Bell, interpretado por Sam Rockwell, que passa três anos isolado em uma instalação lunar para recolher matéria prima. Sua única companhia é o computador inteligente, GERTY, e a solidão toma conta do personagem, fazendo com que tenha alucinações.

Sam Rockwell é um grande ator, um dos meus favoritos, e ele é capaz de manter sua atenção durante o filme inteiro com seu personagem adquirindo cada vez mais camadas no desenvolver da trama, mesmo que esteja apenas falando sozinho.

Viagem à Lua (1902)

Le voyage dans la lune, de Georges Méliès, é essencial nesta lista por ser um dos primeiros filmes a fascinar o público com a possibilidade do que a humanidade pode conquistar, e com a magia que o cinema pode criar. Utilizando técnicas inovadoras de sobreposição, pintura e stop-motion, Méliès foi pioneiro na arte e decidiu trazer uma de suas várias adaptações das obras de Júlio Verne, desta vez sobre um grupo de homens lançados ao espaço em uma cápsula que atinge a lua no olho e resulta em uma perseguição envolvendo criaturas da superfície da nossa estrela.

Méliès foi um gênio da sétima arte capaz de seduzir o público com seus visuais que remetem uma ambientação onírica, cheia de figuras fantasiosas e interpretações abstratas. Um filme belíssimo que moldou o jeito como vemos o cinema e aumentou nosso interesse em alcançar o espaço.

Para Toda a Humanidade (1989)

É claro que eu não deixaria de mencionar um documentário sobre o assunto. Existem vários, mas acho que nenhum captura tão bem o sentimento de fazer parte dos bastidores das missões Apollo como For All Mankind. O diretor, Al Reinert, destaca o elemento humano neste documento que reúne as partes que ele considerou as mais emocionantes de todo o projeto espacial, dando atenção aos astronautas e a cabine de controle.

Visuais inacreditáveis e relatos dos envolvidos fazem deste filme uma experiência como poucas, venha pela curiosidade de saber mais sobre o processo dos astronautas e fique pela impressionante jornada.

Menções honrosas para o pouco conhecido, mas envolvente, The Dish (2000), e para a comédia Moonwalkers (2015). E antes de me despedir, deixo com vocês o trailer de Apollo 11, um novo documentário com imagens remasterizadas sobre a missão espacial que estamos comemorando.

Deixe nos comentários qual seu filme favorito sobre o assunto!