Elenco do filme Nova Ordem Espacial Space Sweepers em poster promocional
No ano de 2092 o planeta Terra está morrendo cada vez mais rápido, tomado por toda a poluição e o caos de outros desastres, sejam eles naturais ou não. Uma grande corporação, conhecida pela sigla de UTS, consegue desenvolver uma colônia espacial habitável, mas ela não está disponível para todos. Assim, grande parte da população precisa descobrir uma maneira de sobreviver em plataformas e outros ambientes menos favoráveis, como a tripulação da Victory, uma nave coletora de lixo. Tentando sobreviver com o pouco que ganham em suas missões, Tae-Ho (Song Joong-Ki), a Capitã Jang (Kim Tae-ri), Tiger Park (Jin Seon-Kyu) e o robô Bubs (dublado por Yoo Hae-jin) encontram um enorme obstáculo quando acabam acidentalmente em posse de um andróide infantil perigoso, que tem poderes misteriosos e pode se transformar em uma arma de destruição em massa.
Em uma decisão desesperada para conseguir algum dinheiro, a tripulação da Victory aproveita o enorme interesse de todos na criança e se arrisca em um território dominado por criminosos do mercado negro, agentes do governo e até uma organização secreta conhecida por tomar medidas drásticas contra seus inimigos. Mas não é como se a equipe fosse tão amadora assim, isso porque Tae-Ho já serviu como comandante da Guarda Espacial, Park escapou da Terra e de uma sentença de morte por liderar um cartel de drogas e o robô Bubs largou suas atividades como militar para seguir seu sonho de uma pele orgânica. Mas dos quatro, a mais perigosa é Jang, que deixou de lado sua carreira como oficial do Pelotão das Forças Especiais para criar sua própria organização pirata e planejar o assassinato de James Sullivan (Richard Armitage), o presidente da UTS.
Personagens e Elenco
A premissa de Nova Ordem Espacial (Seungriho, no original) tem diversos elementos interessantes, e por mais que a proposta também pareça um pouco derivada de outros filmes do gênero, ela acaba fazendo bastante sentido com o drama dos personagens, essa sim, a verdadeira força do enredo. Com um elenco carismático, cada membro da Victory possui uma característica básica muito bem estabelecida, então quando o longa precisa oscilar entre drama e comédia, tem um resultado bastante natural. Tae-ri e Seon-Kyu seguem a fórmula de capitã durona e brutamontes de grande coração, respectivamente, e por mais que Bubs renda algumas piadas engraçadas por conta de seu humor mais arrogante, é Joong-Ki quem fortalece o núcleo dramático do filme, com seu Tae-Ho que consegue ir de um líder cheio de lábia para um perdedor atrapalhado, mas quando o roteiro depende da subtrama de um passado traumático para a personagem, o ator aproveita cada momento de introspecção e catarse emocional.
Embora tenha acertado em cheio com seu elenco principal, que por vezes chega a lembrar um pouco a dinâmica entre os caçadores de recompensa do anime Cowboy Bebop (excelente obra, estou devendo um texto sobre ela), não é em todas que se ganha, e o filme está dividido em dois núcleos narrativos: o eixo espacial e o micro-universo da colônia da UTS, essa segunda sem metade do impacto de seu contraposto espacial. Por um lado foi uma decisão esperta colocar um elenco que realmente representasse algumas nações, como incluir atores norte-americanos ou latinos no papel de personagens da respectiva nacionalidade, mas ainda que tenham conseguido um ator competente como Richard Armitage (mais conhecido por interpretar Thorin na trilogia O Hobbit) para interpretar o principal antagonista, também há quase um desinteresse em desenvolvê-lo além do estereótipo de vilão com um claro complexo messiânico de salvar a humanidade na típica abordagem “os fins justificam os meios”. Com exceção de sua voz, não sobra muita coisa para o vilão usar como ferramenta de intimidação.
Apesar de ter elogiado o núcleo espacial, seria injusto deixar de mencionar alguns tropeços nessa parte, mas eles são mais questão de oportunidades desperdiçadas do que problemas estruturais. Quando o longa decide se dedicar à novas subtramas (apenas mencionadas rapidamente através de diálogos anteriormente) na sua segunda metade de rodagem, há uma sensação de que outras tramas foram comprometidas, mas poderiam render bem mais do que o superficial. Foi um ponto alto do filme tentar criar um dilema na personagem de Tae-Ho, que precisa escolher entre um passado incerto e a possibilidade de uma redenção por conta de novas oportunidades, mas isso roubou um pouco do espaço que poderia ser dado para a subtrama do robô Bubs, que comenta a importância de sua operação para que finalmente possa ter a liberdade de assumir sua identidade de gênero por completo, interna e externamente. É um elemento pouco aproveitado do roteiro, que nos últimos minutos da obra perde um pouco do impacto já que passou grande parte do filme de lado para priorizar outras histórias.
Efeitos visuais se destacam
Quando saímos um pouco do debate sobre as personagens, podemos focar um pouco na parte técnica. A direção fica por conta de Sung-hee Jo, e ele tem a chance de experimentar bastante com os efeitos especiais, o que ele faz nas tomadas de perseguição e batalha espacial, com direito a naves passando por enormes estruturas fazendo manobras impossíveis, mas bem criativas para uma sequência de ação. É esperado que um filme como esse tenha um ritmo dinâmico, e é o que acontece, mas também é preciso tomar cuidado para que essa necessidade por visuais impactantes não contribua para uma poluição visual desnecessária. Se por um lado é divertido assistir toda a ação no meio dos detritos espaciais, em alguns momentos o espectador pode ficar um pouco perdido na geografia da cena, sem saber quem é quem. Felizmente, isso acontece pouco. Mas quando se trata dos segmentos onde a ação exige um combate corpo a corpo, a câmera tremida e a montagem picotada não são o suficiente para esconder uma coreografia fraca. Em certo ponto, temos uma perseguição seguida por uma cena de ação com tantos cortes desnecessários que distraem ao ponto de incomodar.
Nova Ordem Espacial é uma ficção científica que parece não ter muito para oferecer de início, mas logo conquista com efeitos especiais bem feitos e um elenco carismático ao ponto de fazer com que você esqueça o enredo batido. Produção coreana, esse filme me lembrou um pouco o recente Terra à Deriva, uma produção chinesa que também chamou bastante a atenção por conta de seu elenco e efeitos visuais, tanto que acabou se tornando uma das maiores bilheterias da história do país. Depois de sofrer um adiamento por conta da pandemia de COVID-19, com a adição de Nova Ordem Espacial no catálogo da Netflix, talvez esse filme ganhe mais atenção.
As melhores series de ficcao cientifica do ano 2020
Convenhamos que o ano 2020 foi um desastre em quase todos os aspectos. Além de toda a tragédia das vidas perdidas por conta do vírus COVID-19, a indústria do audiovisual também teve suas baixas, principalmente as salas de cinema, que não puderam receber os espectadores e ficaram fechadas por meses, dando bastante prejuízo para os exibidores. Mas o que é entretenimento e comércio perto de vidas humanas?
Esse pode ter sido o pior ano da indústria cinematográfica (nem mesmo em tempos de guerra tivemos uma reação em cadeia tão grande de salas sendo fechadas), mas a TV e os serviços de streaming conseguiram manter suas séries em dia, isso porque a maioria já tinha sido filmada e só precisou passar pelo tratamento na pós produção. E por mais que eu queira indicar séries pouco reconhecidas, comoTruth Seekers(disponível no Amazon Prime Video), o meu compromisso aqui é com ficção científica, e não há elementos o suficiente para poder estabelecer essa série como algo do gênero, mas fica a dica mesmo assim.
Agora vamos para as regras:
1. Nos anos anteriores, as retrospectivas têm seguido um formato um pouco diferente, no qual listo e faço pequenos comentários sobre cada produção que merece um destaque naquele ano. Mas por destacar apenas as que eu gostei, deixei de fora outras séries que, por mais que eu não considere essenciais, podem acabar agradando alguém. Por isso, esse ano decidi desenvolver a retrospectiva em forma de lista, indo da pior para a melhor.
2. Entram na lista apenas as séries que tiveram exibição em 2020, e para alguns casos, eu incluí produções que tiveram início no ano anterior, mas terminaram em 2020, assim como produções que tiveram início em 2020 e terminarão em 2021. Pelo menos metade da temporada precisa ter sido exibida durante o ano da retrospectiva.
3. Infelizmente, como sou apenas uma pessoa, não fui capaz de assistir TUDO que foi lançado no ano, mas acredito que o número de produções mencionadas nesse texto será satisfatório. Séries como Doctor Who, Stranger Things, Agents of S.H.I.E.L.D e Future Man acabaram sendo deixados como MENÇÃO HONROSA simplesmente porque (ainda) não assisti as novas temporadas, mas deixo aqui como indicação já que nunca chegaram a decepcionar, então merecem ao menos esse pequeno reconhecimento. E perdão aos fãs de Lovecraft Country, porque ainda não terminei a temporada, mas até onde vi, estava muito boa, então… menção honrosa também.
4. Obviamente, a ordem da lista segue minha opinião completamente subjetiva, já que gosto é gosto, mas a principal função desse texto é lembrar, criticar e indicar o que saiu de melhor (e pior) na ficção científica de 2020.
Agora, vamos ao que interessa: O ranking das 21 séries de ficção científica de 2020, da pior para a melhor.
21º Lugar | AWAY (2020)
Desenvolvida por Andrew Hinderaker Disponível na Netflix
Com um elenco mais do que competente, nem mesmo as atuações da premiada Hilary Swank e Josh Charles conseguem salvar o melodrama original da Netflix, que vem tentando emplacar mais produções de ficção especulativa nos últimos anos, mas com sua política de prezar por quantidade no lugar da qualidade, o catálogo do serviço de streaming acaba trazendo séries como Outra Vida ou The I-Land, e esse ano com Away.
A astronauta Emma Green (Swank) está prestes a embarcar em uma missão arriscada com uma equipe internacional, mas não está pronta para deixar seu marido e filha sozinhos na Terra. A proposta de desenvolver um drama mais íntimo é boa, e a série chegou a ser uma das mais assistidas em sua semana de lançamento, mas o enredo fraco e repetitivo fez com que o público perdesse o interesse rapidamente, e como a Netflix baseia suas renovações de série quase exclusivamente em “audiência”, Away foi cancelada.
Hilary Swank esteve no elenco de um dos melhores filmes FC de 2019, o thriller independente I am Mother. Depois de ter entregado uma atuação tão boa e o filme ter recebido certo reconhecimento entre os fãs do gênero, é uma pena ver que Away não foi a melhor escolha para aproveitá-la. Não foi uma série ruim, mas facilmente a mais esquecível da lista (uma grande parte já sumiu da minha memória).
20º Lugar | UTOPIA (2020)
Desenvolvida por Gillian Flynn Disponível na Amazon Prime Video
Em 2013, Dennis Kelly foi responsável por uma das séries mais loucas da TV britânica. Utopia é protagonizada por um grupo de de amigos virtuais que acabam se encontrando para debater sua teoria da conspiração favorita, uma revista em quadrinhos que aparentemente contém informações capazes de revelar um enorme segredo envolvendo futuras ameaças, como sabotagem corporativa ou até mesmo uma pandemia. Durante sua exibição original, a série não atraiu tanto o público quando merecia, mas ao longo dos anos passou a ser reconhecida como uma produção bastante cultuada por quem é apaixonado por ficção científica.
Mas como toda boa obra lançada em qualquer parte do mundo, chega o momento em que algum estúdio decide adaptar a história para o público norte-americano. Só que dessa vez, tínhamos os nomes de David Fincher e Gillian Flynn no comando, os mesmos responsáveis pelo excelente filme Garota Exemplar, então talvez dessa vez a versão estadunidense pudesse trazer algo de novo, ainda mais considerando toda a premissa absurda e o contexto de um 2020 tomado por uma pandemia.
Para a tristeza de alguns, David Fincher acabou saindo do projeto para se dedicar ao seu próximo longa-metragem, o drama Mank. Ainda assim, Flynn é uma realizadora inteligente, o que acalmou o público. Mas depois de lançar sua primeira temporada, a versão norte-americana de Utopia se mostrou apenas uma colagem dos melhores momentos da série original, mas sem o mesmo impacto visual das cores e movimentos de câmera criativos, ou a forma como a trama era muito bem executada, dando igual atenção para cada núcleo dramático. Mesmo com um ótimo elenco, que inclui Rainn Wilson e John Cusack, Utopia tentou respeitar o material original, mas esqueceu que toda boa adaptação precisa de mudanças, então ficamos com uma temporada cheia de bons efeitos visuais e atuações, mas sem charme algum.
19º Lugar | ADMIRÁVEL MUNDO NOVO (2020)
Desenvolvida por Grant Morrison, Brian Taylor e David Wiener Sem distribuição no Brasil. Disponível no streaming Peacock.
Adaptar o clássico de Aldous Huxley, Admirável Mundo Novo, não é tarefa fácil. Por isso, o estreante serviço de streaming Peacock decidiu trazer três showrunners para desenvolver a série. De primeira, fiquei curioso com o envolvimento de Grant Morrison, um quadrinista que adoro e sempre tem idéias bem mirabolantes para suas histórias. Por um lado, ele realmente colaborou para uma construção de mundo mais contemporânea, utilizando elementos do livro original para formar um comentário intrigante sobre entretenimento, mídia e excesso. Mas ao mesmo tempo que sua visão diferente cria um tom único para a série, também a compromete por não dar a mesma atenção aos personagens.
CRÍTICA DA PRIMEIRA TEMPORADA DE ADMIRÁVEL MUNDO NOVO (2020)
Ao contrário de Utopia, Admirável Mundo Novo soube adaptar o material e transformá-lo em algo novo, mas o drama e enredo fraco fizeram com que tudo isso fosse uma grande oportunidade desperdiçada, tanto que a série foi cancelada antes do ano acabar.
18º Lugar | DARK (2017-2020)
Desenvolvida por Baran Bo Odar e Jantje Friese Disponível na Netflix
Foi apenas esse ano que finalmente decidi maratonar a aclamada série alemã, Dark, o drama que conta a história de quatro famílias na pequena cidade de Winden. Cheia de segredos entre seus habitantes, a cidade também esconde um mistério envolvendo o desaparecimento de suas crianças em datas diferentes, mas circunstâncias similares.
Em uma jornada envolvendo viagem temporal e realidades alternativas, o público ficou fascinado pela forma que a série trabalhou seus temas nas duas primeiras temporadas, e por isso havia uma grande expectativa pela sua terceira e última.
CRÍTICA DA TERCEIRA TEMPORADA DE DARK
Com tantos personagens, conceitos e elementos complexos, Dark teve dificuldade ao tentar equilibrá-los, o que resultou em uma temporada final mais inconsistente e apressada, que precisou dar tanta atenção para explicar seus conceitos, mas acabou esquecendo de desenvolver o que fez dela um sucesso em primeiro lugar: o drama dos personagens.
17º Lugar | WESTWORLD (2016- )
Desenvolvida por Jonathan Nolan e Lisa Joy Exibido pela HBO e disponível na HBO GO
Adaptação seriada do clássico Westworld: Onde Ninguém tem Alma, de 1973, Westworld tem sido uma das minhas séries favoritas desde sua estréia, com uma primeira temporada impressionante, não só em escala por conta do investimento nos efeitos visuais, mas no ótimo enredo, com uma narrativa inventiva e cheia de diálogos impecáveis, ainda mais quando interpretados por alguém do calibre de Anthony Hopkins. Mas ele não é o único destaque, já que o elenco é um dos pontos altos da obra, com nomes como Evan Rachel Wood e Ed Harris.
Mas como uma série tão incrível foi parar em uma posição tão desfavorecida quanto essa? Infelizmente, depois de uma segunda temporada menos impactante do que a primeira, a terceira procurou por revelações e tramas ainda mais impressionantes. O problema é que ela tentou demais ao ponto de ter desenvolvido sua narrativa inteira em volta de reviravoltas, muitas delas previsíveis e desnecessárias, que simplesmente davam em nada, com subtramas abandonadas aleatoriamente. Nem mesmo incluir Aaron Paul no elenco ajudou, e Westworld foi da série mais criativa da HBO para uma ficção científica voltada para um cyberpunk quase sem identidade.
16º Lugar | RAISED BY WOLVES (2020-)
Desenvolvida por Aaron Guzikowski Sem distribuição nacional. Disponível apenas no streaming HBO MAX.
Uma série sobre androides cuidando das últimas crianças humanas depois de uma guerra na Terra? Quero! Produzida por Ridley Scott? QUERO MESMO! E por mais que eu tenha me animado bastante com os visuais incríveis e boas atuações, Raised By Wolves cai na mesma armadilha de Westworld e Dark, e parece se enroscar no emaranhado de símbolos e metáforas religiosas que tenta conciliar com elementos de ficção científica.
Não é a primeira vez, e não será a última, que Ridley Scott se aproveita de conceitos existenciais e religiosos para desenvolver um comentário sobre a moralidade humana. Os temas e os mistérios são intrigantes, há muitas ideias boas na proposta, mas a execução peca ao tratá-las de forma superficial, criando conclusões sem muito peso para o drama dos personagens. Com exceção de uma direção de arte belíssima, Raised by Wolves se beneficiaria ainda mais de um roteiro menos carregado.
Ainda assim, que final foi aquele? Conte comigo para a segunda temporada!
15º Lugar | SNOWPIERCER (2020-)
Desenvolvida por Josh Friedman e Graeme Manson Disponível na Netflix
Adaptação de um quadrinho de mesmo nome, o filme Snowpiercer (Expresso do Amanhã) foi lançado em 2013, e pode não ter recebido tanta atenção na época, mas começou a ganhar fôlego com o passar dos anos, principalmente pelo conceito de transformar um trem em uma alegoria para a batalha de classes, com cada vagão servindo como uma representação de alguma casta social. E a popularidade pode ter aumentado ainda mais por conta de seu diretor, Bong Joon Ho, que venceu o Oscar 2020 com seu filme Parasita.
Como (quase) tudo que faz sucesso no cinema, Snowpiercer recebeu uma versão seriada, estrelada pelo carismático Daveed Diggs. Mas para que a narrativa funcione em um formato episódico, a saída foi transformar a alegoria política do filme em um thriller policial, com um protagonista que, ao invés de apenas tentar mudar o sistema, agora precisa usar suas habilidades como detetive para resolver um caso de assassinato.
Com um bom elenco e um enredo competente, Snowpiercer não chega a ter todo o impacto visual do longa de 2013, mas é uma boa pedida para quem procura uma série policial em um futuro pós-apocalíptico.
14º Lugar | STAR TREK: PICARD (2020-)
De Alex Kurtzman, Akiva Goldsman, Michael Chabon e Kirsten Beyer. Disponível na Amazon Prime Video
Nada me deixou tão ansioso quanto o retorno de Jean-Luc Picard, um dos capitães mais adorados da franquia e protagonista da série Jornada nas Estrelas:A Nova Geração (The Next Generation), interpretado por Patrick Stewart. Essa foi uma série que tinha diversos obstáculos em seu caminho, como ter que agradar o público da série original e conquistar novos espectadores.
O resultado é um híbrido entre a ação rápida da timeline Kelvin e da série Discovery, com toques de A Nova Geração, dando espaço para pequenos momentos de reflexão e silêncio (pequenos mesmo, infelizmente). Talvez nem todos concordem com essa decisão, mas particularmente considero um compromisso necessário, desde que tenhamos um enredo e personagens consistentes.
Mas infelizmente, para cada acerto, a temporada também cometeu erros enormes. Além de toda a violência gratuita e as subtramas mal construídas, Picard parece um coadjuvante em sua própria série, dando espaço para personagens bem menos interessantes.
13º Lugar | UPLOAD (2020-)
Desenvolvida por Greg Daniels Disponível na Amazon Prime Video
Nathan é um jovem programador procurando por investidores, mas depois de sofrer um acidente de carro, recebe a chance de ser integrado a uma realidade virtual onde você pode salvar a sua consciência antes de morrer e continuar sua segunda vida em um paraíso chamado Lakeview.
Mesmo relutante, acaba aceitando a oferta de sua namorada, mas agora vive em uma realidade controlada por computadores. Mesmo tendo um avatar físico e outras consciências com quem conversar, Nathan se sente mais sozinho do que nunca; mas as coisas mudam quando ele conhece Nora, uma das atendentes trabalhando para manter Lakeview e seus clientes satisfeitos.
Upload têm problemas, alguns deles podem te tirar completamente da série, mas essa primeira temporada tem seus momentos e sabe se divertir com as regras do seu mundo. Pode não ser imperdível, mas pode te entreter com boas piadas e um roteiro mais consistente do que imaginei que seria, principalmente considerando a premissa e todos os conceitos apresentados.
12º Lugar | STAR TREK: LOWER DECKS (2020-)
Desenvolvida por Mike McMahan Sem distribuição nacional. Disponível no streaming CBS ALL ACCESS.
Voltando para o universo de Jornada nas Estrelas, Lower Decks é uma série que foca na parte menos glamurosa das naves da Federação, seguindo a equipe de oficiais de baixa patente, que fazem todo tipo de trabalho servindo de assistentes para a tripulação principal. Eles tem que consertar replicadores de comida, fazer catalogações de novas espécies, limpeza geral, manutenção dos holodecks e toda aquela coisa que ninguém gosta de fazer.
Seguindo o mesmo estilo de animação e o humor de séries como Rick and Morty, Lower Decks tem boas idéias, e se dá bem quando quer faz algo original e engraçado, mas um enorme problema é a dependência dos roteiristas em nostalgia, o que faz com que os roteiros sejam cheios de referências vazias que, por mais obscuras que sejam, não servem propósito algum. Quando não foca nisso, Lower Decks fica bem melhor.
11º Lugar | STAR TREK: DISCOVERY (2017-)
Desenvolvida por Bryan Fuller e Alex Kurtzman Disponível na Netflix.
Depois de duas temporadas sem parecer saber qual seu propósito, Discovery finalmenteencontrou uma solução para poder desenvolver uma narrativa própria. Ao transportar a história de Burnham e companhia para um futuro distante, a série conseguiu se livrar da obrigatoriedade em tentar equilibrar uma tecnologia mais avançada com a estética mais “clássica” da linha temporal. Não é como se eles já estivessem fazendo um bom trabalho nesse departamento, mas com essa desculpa narrativa Discovery pode explorar a mitologia de Jornada sem se preocupar tanto com anacronismos.
Mantendo os efeitos visuais de qualidade, introduzindo novos personagens interessantes e subtramas mais envolventes, vamos torcer para que não tenhamos mais mudanças inesperadas nos bastidores que causem a bagunça que foi a temporada anterior.
10º Lugar | SOLAR OPPOSITES (2020-)
Desenvolvida por Mike McMahan e Justin Roiland Ainda não tem distribuição nacional. Disponível no streaming Hulu
Em Solar Opposites seguimos o cotidiano de uma família alienígena que precisou fugir de Schlorp, seu planeta-natal utópico que acabou atingido por um asteroide. Mas na procura por um novo lar, sua nave cai na Terra, onde eles agora vivem e reclamam dos costumes e rituais humanos. Os aliens Korvo e Terry são os guardiões de dois replicantes infantis, Yumyulack e Jesse. Juntos, eles tentam se adequar aos costumes terráqueos.
Solar Opposites pode ter seus defeitos, mas é quando explora o caos do cotidiano que realmente brilha, e isso porque o comediante e dublador Justin Roiland é excelente em humor improvisado. Terminamos a temporada com algumas pontas soltas, e por mais que essa não tenha sido uma das animações mais marcantes do ano, talvez eu volte para mais no futuro. São apenas oito episódios e eles passam voando.
Desenvolvida por Pedro Aguilera Disponível na Netflix.
Nina Peixoto (Carla Salle) trabalha para uma enorme empresa de vigilância, e as coisas parecem ir bem até o dia em que seu pai é assassinado misteriosamente e o sistema que acredita ser infalível não é capaz de revelar um culpado. Assim, Nina procura uma maneira de descobrir o responsável enquanto tenta burlar o sistema e as câmeras em sua volta.
Produção nacional, Onisciente não se limita às referências do gênero, como Asimov e Philip K Dick, e cria um universo próprio, com personagens e regras bem estabelecidas. Essa série é mais um passo para o avanço de produções de gênero no mercado nacional, um que ainda pode ser bastante influenciado por material norte-americano, mas carrega uma voz cada vez mais forte.
Eu admito não ser o maior fã de Star Wars, mas The Mandalorian conseguiu me conquistar pelas narrativas contidas e a estrutura de western que aquece meu coração. Os efeitos especiais são impressionantes, com um orçamento gigantesco, que acaba se justificando com sequências de ação maravilhosas. Além disso, personagens carismáticos e diretores convidados de alto calibre, como Taika Waititi e Robert Rodriguez.
A primeira temporada foi facilmente a melhor produção no universo de Star Wars em décadas, e por mais que a segunda temporada não tenha me conquistado do mesmo jeito, por conta das conveniências do roteiro e o excesso de fan service nostálgico desnecessário (a conclusão da segunda temporada não me emocionou, não deu), ainda assim foi uma das mais divertidas do ano, com aventuras que não perdem o fôlego e enriquecem o universo da série cada vez mais.
7º Lugar | RICK AND MORTY (2013-)
Desenvolvida por Dan Harmon e Justin Roiland Disponível na Netflix.
Rick and Morty é uma das animações mais aclamadas da TV. Mesmo não sendo reconhecida em seus primeiros anos, começou a ganhar enorme atenção no Brasil assim que teve seus episódios disponibilizados pelo serviço de streaming Netflix. Depois das duas primeiras temporadas, a série parece ter perdido um pouco de fôlego, mas com a estréia da quarta temporada, sinto que eles estão voltando aos trilhos.
Eu nem preciso falar demais dessa série porque, convenhamos, ela está popular em um nível de uma parcela dos fãs ter se tornado insuportável. Alguns acreditam que a animação perdeu toda a graça, mas ainda vejo muito material que pode ser explorado no futuro.
6º Lugar | MOONBASE 8 (2020-)
De Fred Armisen, Tim Heidecker, John C. Reilly e Jonathan Krisel Sem distribuição nacional. Disponível na SHOWTIME.
Antes mencionei a série Away, que pode não ter elementos de ficção científica o suficiente, mas ainda assim traz uma narrativa de exploração espacial e, convenhamos, todo fã do gênero adora uma história envolvendo astronautas. Em 2020 tivemos duas comédias que focam nos bastidores da NASA, a primeira sendo Space Force, estrelada por Steve Carell; a segunda foi uma bem menos popular, Moonbase 8. A diferença entre as duas é que Space Force parece apenas uma grande sátira feita às pressas para brincar com uma força tarefa espacial proposta por Donald Trump (nenhuma surpresa), enquanto Moonbase 8 tem uma escala bem menor e aproveita seu elenco para criar situações hilárias.
Estrelada por Fred Armisen, Tim Heidecker e John C. Reilly, a série segue três astronautas em uma base de testes, onde eles treinam para uma futura missão lunar. Ao longo de oito episódios assistimos os três comediantes improvisando diálogos e protagonizando situações ridículas por conta do seu comprometimento com a missão. Como se os três não fossem o suficiente, o espectador começa a questionar como a NASA decidiu contratar pessoas tão incompetentes, o que cria uma linha narrativa curiosa. É uma das séries menos conhecidas dessa lista, mas vale muito a pena para quem procura uma comédia bem feita.
5º Lugar | AVENUE 5 (2020-)
Desenvolvida por Armando Iannucci Disponível na HBO GO.
Eu demorei para assistir a primeira temporada de Avenue 5 por conta das diversas críticas negativas, mas quando comecei a assistir percebi que a maioria delas envolvia o humor da série, idealizada por Armando Iannucci, mais conhecido por seu trabalho em comédias como Veep. E talvez esse seja o problema, o humor de Iannucci é muito específico, sem punchlines ou nada que te faça gargalhar, mas é o tipo de comédia na qual os diálogos entregam mensagens conflitantes e o espectador precisa questionar o quanto daquilo é real, e o quanto é baboseira. Sim, é um humor muito específico, mas se ele não te pegar, a série com certeza não funciona.
A história gira em torno dos tripulantes de um cruzeiro espacial de luxo, que depois de um acidente tem o seu curso alterado, fazendo com que todos fiquem presos lá por bem mais tempo do que imaginavam. Além de lidar com as notícias ruins, os clientes precisam aturar o capitão e sua equipe, que são fazem idéia do que fazer.
A temporada passa a pegar mais fôlego e ficar mais dinâmica com o decorrer dos episódios, mas até lá, muitas pessoas já abandonaram, o que é uma pena porque a série tem ótimas atuações de Hugh Laurie e Zach Woods, além de efeitos especiais de qualidade (orçamento HBO). Para quem não gosta do humor, essa série vai ser um desastre, mas para quem procura uma comédia mais sutil, vai adorar tanto quanto eu.
4º Lugar | THE MIDNIGHT GOSPEL (2020-)
Desenvolvida por Duncan Trussell Disponível na Netflix.
Clancy comanda um podcast espacial chamado The Midnight Gospel, onde entrevista seres diversos de planetas em extinção. Com um simulador de multiversos, ele pode enviar um avatar com a sua consciência para estes planetas e gravar longas conversas, que podem ir de um simples questionamento sobre a legalização da maconha até uma viagem através dos sentidos, com debates sobre ética existencial e identidade.
Não se deixe enganar por elementos como barcos carregados pela energia positiva de gatos ou unicórnios que vomitam sorvete, The Midnight Gospel é uma experiência única através do espaço e da alma.
Desenvolvida por Nathaniel Halpern Disponível na Amazon Prime Video
Inspirado nos livros de Simon Stålenhag, que participa da série como roteirista e produtor executivo, Tales From The Loop segue a rotina dos habitantes de uma pequena cidade localizada acima de uma instalação de pesquisa, onde se encontra uma máquina chamada The Loop, capaz de explorar diversos mistérios do universo. Isso acaba afetando os habitantes, que experienciam situações inusitadas envolvendo inconsistências temporais, forças que desafiam as leis da física e outras coisas que poderiam ter saído de alguma obra de ficção científica.
Tales From The Loop é uma série que segue os moldes de outros grandes sucessos, mas se destaca na execução, apresentando mundos e personagens diversos sem depender de suas referências, explorando o que há de mais complexo na ficção científica, o ser humano.
Desenvolvida por Alex Garland Disponível na FOX Premium
Alex Garland fez sua carreira com a ficção científica, como os filmes Ex_Machina e Aniquilação, o que atraiu os fãs do gênero, mas assustou os estúdios por conta do orçamento gasto com efeitos visuais, e roteiros que não seguem uma linha narrativa tão tradicional. Então, quando decidiu desenvolver uma história sobre uma instalação de pesquisa capaz de visitar o passado e observar o futuro, o formato seriado foi o mais apropriado.
DEVS foi produzida pelo canal FX, e em oito episódios consegue trazer um espetáculo visual impressionante, tão bom que não fica devendo aos seus filmes. Mas além dos visuais e da trilha musical assustadora, há também um enredo complexo e intrigante, e um drama construído para casar perfeitamente com os temas da série. Nem todas as atuações são impecáveis como a parte técnica, mas os pontos altos conseguem apagar completamente os defeitos da temporada. Amito que ela não seja para todos por causa do ritmo lento e a direção quase experimenta em alguns episódios, mas para quem procura algo totalmente diferente, DEVS é uma experiência única.
1º Lugar | THE EXPANSE (2015-)
Desenvolvida por Daniel Abraham, Mark Fergus, Ty Franch e Hawk Ostby Disponível na Amazon Prime Video.
E como já era esperado, mais uma vez The Expanse é a série essencial para todo fã de ficção científica. Efeitos visuais de qualidade, conceitos originais, tramas emocionantes e uma abordagem mais realista de exploração espacial e política nas narrativas especulativas, essa série tem de tudo. Ela pode ter uma primeira temporada lenta, que demora estabelecendo as regras do mundo, mas quando passa a focar nos personagens e nas missões, The Expanse é o que o gênero tem de melhor para oferecer.
A tripulação da nave Rocinante continua sua jornada em busca de respostas para os eventos misteriosos que acabara de presenciar, enquanto precisam se envolver em um longo conflito entre a Terra, Marte e os membros do cinturão de asteroides de Ceres. Em 2020 tivemos a estréia de sua quinta temporada (felizmente, depois de ser cancelada pelo canal SYFY, a Amazon comprou os direitos da série), e por mais que seja a série mais avançada em episódios dessa lista, é uma das que mais vale a pena, se não for a melhor. E é por isso que ela continua no topo.
Então é isso! Sentiu falta de alguma série?
Deixe um comentário com os seus favoritos do ano, eu sempre gosto de receber indicações, e espero que tenham gostado das que postei aqui.
Com uma filmografia competente, George Clooney já provou há um bom tempo que não é apenas o rosto bonito que começou a chamar a atenção por sua participação na série E/R (no Brasil conhecido por Plantão Médico), criada por Michael Crichton, o mesmo responsável por Parque dos Dinossauros e O Enigma de Andrômeda. Clooney logo começou a pegar papéis mais desafiadores e se destacar em filmes como E Aí, Irmão, Cadê Você, o que o deixou cada vez mais famoso e interessado em dirigir seus próprios filmes. Admito não ser fã da maior parte de seu trabalho por trás da câmera, mesmo considerando Boa Noite e Boa Sorte um ótimo filme, e é por isso que quando soube do lançamento da ficção científica O Céu da Meia-Noite, fiquei interessado no que ele poderia fazer em um território no qual já atuou, mas nunca dirigiu.
Adaptação do livro Good Morning, Midnight, de Lilly Brooks-Dalton, O Céu da Meia-Noite é ambientado em um futuro pós apocalíptico, no qual parte da humanidade foi extinta por conta de um cataclismo misterioso. Enquanto todos planejam uma evacuação do planeta, o cientista Augustine (Clooney) decide ficar para trás e cuidar da base de pesquisa no Ártico, onde trabalha sozinho procurando por possíveis planetas habitáveis.
Sem saber dos eventos que acabaram de acontecer na Terra, a astronauta Sully (Felicity Jones) e sua tripulação estão retornando para casa depois de sua missão de exploração espacial, o que obriga Augustine a tentar avisá-los, mas para isso ele precisa enfrentar os riscos do Ártico, além de cuidar de uma criança deixada para trás durante a retirada do planeta.
Vamos tirar logo do caminho o que realmente funciona nessa obra, que é todo o apelo visual. Mais uma vez colaborando com Clooney na direção de arte está Martin Ruhe, com um bom olho para composição de algumas sequências de tensão bem arquitetadas, principalmente as tomadas espaciais, que podem evidenciar o CGI, mas há movimentos de câmera “impossíveis” que conseguem diminuir a sensação de estranhamento, exatamente por compreender que a melhor maneira de filmar uma cena inteira com uso pesado de efeitos visuais seria simplesmente trabalhá-la quase completamente na pós-produção.
Mas isso entra mais no departamento de efeitos visuais, que fez o trabalho mais consistente e sem exageros, apenas uma atenção maior para coisas como a textura do casco das naves, por exemplo. Isso pode parecer pouca coisa, mas faz uma enorme diferença em alguns filmes e evita tirar completamente o espectador da experiência.
Ainda sobre a direção de arte, por mais bonita, essa também cai em um problema bem comum de filmes do gênero, que é uma fotografia quase monótona, com estruturas e um visual limpo demais, quase sem identidade. Parece algo contraditório, mas é uma pena ver filmes com a possibilidade de explorar visuais bem mais criativos por conta de sua premissa de ficção científica, mas não parecem ter a coragem de seguir isso até o fim – ou seja, visuais bem feitos de um ponto de vista técnico, mas sem uma personalidade capaz de dar uma voz única para o filme; o que não é uma obrigação, mas faz falta quando os visuais são o elemento de maior destaque da obra.
Quanto ao enredo de Martin L. Smith, imaginei que ele fosse trabalhar a premissa batida de O Céu da Meia-Noite com uma execução tão boa quanto a que fez em outros roteiros, como o do inventivo Operação Overlord. O conceito do cientista solitário em procura de humanidade e redenção, toda a ambientação pós apocalíptica de cataclismas ou astronautas explorando possíveis planetas para habitar são alguns dos elementos mais comuns do gênero, o que é totalmente válido aqui, mas se você não procura sair de uma estrutura formulaica, ficamos apenas com um filme previsível e a sensação de estarmos assistindo uma colagem de outras obras bem melhores que poderíamos estar vendo no lugar (Não gosto de fazer muitas comparações quando faço uma crítica, mas A Chegada, Ad Astra e o próprio Gravidade, onde Clooney atuou, são exemplos de filmes que abordam temas similares, porém com melhor atenção ao drama, essencial para narrativas como essa).
George Clooney
Por falar no drama, há um sério problema de caracterização dos personagens, que mesmo mencionando e até mostrando pequenos vislumbres de suas vidas passadas, não conseguem carregar peso algum. Com exceção de Augustine, interpretado por um Clooney abatido, o resto dos personagens não parecem possuir algo além de características básicas e arquétipos, como “o pai que sente falta da família” ou “a jovem inexperiente”. Até mesmo Felicity Jones, que estava grávida durante as gravações e pôde adaptar isso em sua personagem, não recebe muito com o que trabalhar, e na maior parte da rodagem do filme parece apenas entediada e confusa.
Essa falta de personagens melhor definidos fica difícil de ignorar quando o terceiro ato decide se apoiar em um desenvolvimento mais emotivo, que ao invés disso, acaba soando melodramático. Também não ajuda o fato do longa dividir-se em dois núcleos dramáticos, que mesmo ligados de forma direta, não trazem paralelos capazes de fortalecer seus temas principais, o que cria um ritmo inconsistente enquanto alterna entre essas duas linhas narrativas. Como se não fosse o suficiente, quando o filme realmente procura uma conexão na esperança de entregar um final surpreendente e enternecedor, somos deixados com uma reviravolta tão previsível que seria mais inesperado se ela não existisse.
Talvez Clooney precise continuar assistindo mais alguns filmes do gênero como referência (desde que fique longe da versão norte-americana de Solaris, também estrelada por ele). O Céu da Meia-Noite busca uma abordagem introspectiva e tocante, mas o resultado acaba sendo uma experiência cansativa e uma ficção científica cheia de escolhas óbvias, que não procura fugir da fórmula, mas também não se esforça o suficiente para se destacar.
Spoilers das temporadas anteriores de Star Trek: Discovery.
Não é novidade que algumas produções de Jornada nas Estrelas passam pelo mesmo problema: uma temporada de estréia inconsistente e/ou dificuldade para encontrar sua identidade nos primeiros episódios. A Nova Geração, Voyager e Enterprise sofreram com mudanças nos bastidores e narrativas pouco envolventes no início, mas cada uma delas conseguiu encontrar um ótimo ritmo ao longo do caminho (infelizmente, Enterprise não pôde desfrutar disso, já que foi cancelada). Star Trek:Discoveryainda é um caso em aberto, com duas temporadas completamente distintas em proposta, mas o mesmo tom.
Enquanto a sua temporada de estréia foca em um embate com os Klingons e universos espelhados, o ano seguinte parecia “atirar para todos os lados”, tentando reunir diversas ameaças, como inteligências artificiais, a já-não-tão-secreta Seção 31, as criaturas Ba’ul e anomalias temporais, além de ter a tarefa de reintroduzir os personagens Pike (Anson Mount), Spock (Ethan Peck) e Número Um (Rebecca Romijn) – uma reunião que logo rendeu mais um spin-off da franquia, chamado Strange New Worlds.
Portanto, Discovery encontrou uma solução para poder desenvolver uma narrativa própria, e ao transportar a história de Burnham e companhia para um futuro distante, a série conseguiu se livrar da obrigatoriedade em tentar equilibrar uma tecnologia mais avançada com a estética mais “clássica” da linha temporal. Não é como se eles já estivessem fazendo um bom trabalho nesse departamento, mas com essa desculpa narrativa Discovery pode explorar a mitologia de Jornada sem se preocupar tanto com anacronismos.
Por conta dos eventos do final da temporada anterior de Star Trek: Discovery, Michael Burnham chega no futuro, atravessando mais de 900 anos de história. Mas por conta de uma viagem turbulenta e incerta, ela atravessa o portal temporal antecipadamente, e assim chega sozinha ao ano de 3.188. Sem rumo, Michael encontra Cleveland Booker (ou apenas Book), um humano cheio de segredos, mas que acaba sendo a única chance de Burnham sobreviver ao futuro hostil.
That Hope is You: Parte 1 tem um dos melhores exemplos de direção de arte da série até o momento, provavelmente por conta da equipe ter filmado cenas na Islândia e Canadá, grande parte sem a necessidade de um estúdio fechado. Com isso tivemos tomadas abertas de belíssimas paisagens naturais, com contrastes entre cachoeiras vivas e um deserto desolador e cinzento. Além disso podemos ver como a série introduz estruturas e tecnologias novas, sem precisar de qualquer conexão com o que foi estabelecido anteriormente. Uma das mais curiosas foi o uso do que parece ser nanotecnologia ou uma forma de manipular energia, algo que lembrou um conceito do livro O Fim da Eternidade, de Isaac Asimov. Algo bastante utilizado nesse episódio foi o conceito de transportadores portáteis, que pode ser interessante mas também corre o risco de resultar em soluções convenientes para o roteiro.
O episódio é dirigido por Olatunde Osunsanmi, que já esteve por trás de vários episódios da série, e aqui ele apresenta uma narrativa mais contida, principalmente por dar destaque para as interações entre Burnham e Book, os dois principais personagens do episódio. Essa foi uma boa decisão para desenvolver melhor um lado diferente e mais descontraído de Michael Burnham e fazer com que Sonequa Martin-Green mostre suas habilidades como atriz. Além dela, David Ajala faz um ótimo trabalho ao definir a personalidade de Book, que em apenas um episódio deixa claro como pode alternar entre intimidador e delicado sem problemas, sem contar que esse é um caso raro em que um roteiro de Discovery consegue estabelecer um personagem de forma envolvente em apenas um episódio.
Mesmo que o foco seja na relação dos personagens de Sonequa e Ajala, o episódio ainda traz as mesmas sequências de ação desenfreada e sem muita consequência, o que é um comprometimento que a série precisa fazer para poder atrair a atenção da base de fãs que considera Jornada nas Estrelas muito “cerebral”. Mas também há uma melhora no ritmo, que fica mais dinâmico e menos inconsistente, sem contar que esse episódio carrega um tom mais cômico e despretensioso, algo que considero muito bem-vindo e espero que continue no futuro. Aqui menciono rapidamente a participação especial do ator Adil Hussain, em um papel que claramente serve de referência para Battlestar Galactica. Ele pode ter uma presença mais pontual, mas significativa, trazendo um dos momentos mais emocionantes e até otimistas que Discovery já viu.
That Hope is You: Parte 1 é promissor e traz alguns mistérios (quando a tripulação chega; o que foi a Combustão?…), e se ele for indicativo do tom que a temporada seguirá, talvez Discovery finalmente tenha encontrado sua identidade, e vamos torcer para que não tenhamos mais mudanças inesperadas nos bastidores que causem a bagunça que foi a temporada anterior.
Star Trek: Discovery. Episódio 3×01: That Hope is You: Part. 1 Lançado originalmente em 15 de Outubro de 2020. Direção: Olatunde Osunsanmi.
Com a proposta de explorar a evolução da ficção científica nacional, a editora Plutão decidiu criar a série Ziguezague, onde apresenta três “ondas” capazes de construir um panorama da literatura especulativa no Brasil, resgatando autores e obras que contribuíram para a formação do gênero no país, assim como difundindo nomes promissores. Portanto, tivemos autores pioneiros da “primeira onda”, como Jeronymo Monteiro (com seu Três Meses no Século 81); e logo chegamos aos grandes historiadores e divulgadores do gênero, como Finisia Fideli (O Ovo do Tempo), na “segunda onda”. Para a “terceira onda”, a editora traz alguns autores que representam a atual literatura FC, com a sua rica diversidade e uma forte identidade.
Da “terceira onda”, o nome que mais me chamou a atenção foi Gabriele Diniz(mais conhecida por G.G.Diniz), alguém que eu já sigo há um bom tempo, não só pelas obras literárias, mas pelo ótimo canal no Youtube, intitulado Usina de Universos, onde faz suas resenhas e analisa o cenário do mercado editorial brasileiro (quando não decide simplesmente sentar em sua rede e divagar sobre temas problemáticos de suas leituras).
Autora fortalezense, Diniz também criou, ao lado de Alec Silva e Alan de Sá, o movimento literário Sertãopunk, uma resposta direta ao chamado Cyberagreste, que infelizmente caiu em território de apropriação cultural ao ter autores não-nordestinos escrevendo sobre algo que não faz parte de sua realidade. Assim, o Sertãopunk realmente se beneficia do enorme diferencial de lugar de fala e vivência. Para saber mais sobre o assunto, leia o artigo do próprio Alan de Sá: Por que fazer o Nordeste Sertãopunk?.
Em sua primeira colaboração com a editora Plutão, G.G. Diniz acaba de publicar O Colonizador, uma noveleta “curta”, ainda assim um de seus trabalhos mais envolventes, não só pela premissa com elementos de ficção científica, mas a execução inteligente de temas delicados, como violência e abuso.
Jandira é recém-formada e acabou de ser aceita em uma vaga para exobiologia, auxiliando o renomado dr. Costa. Ela está animada com as possibilidades do projeto, que envolve estudar um “fungo alienígena” capaz de entregar mais informações sobre uma civilização extinta. Mas o sonho de Jandira, assim como o projeto, podem ser comprometidos por um laboratório em péssimas condições e as atitudes inapropriadas de seu supervisor, que além de incompetente, está cada vez mais difícil de suportar por conta de seus avanços indesejados.
A narrativa de Diniz tem êxito quando procura construir uma atmosfera de incerteza e tensão entre os personagens. Cada diálogo é revelador, sem tornar o texto desnecessariamente expositivo, ainda mais considerando como a autora precisa conciliar o drama da protagonista com o desenvolvimento da ficção científica.
Entre os comentários repulsivos do dr. Costa e o dilema de Jurema, sem saber como lidar com o assédio de seu supervisor, também há espaço para introduzir e estabelecer bem personagens coadjuvantes, a maioria com características e personalidade bem definida, o que não é essencial para a quantidade de páginas de noveleta, mas importa para a narrativa mais sensível de Diniz.
Ainda que a subtrama envolvendo um “fungo extraterrestre” seja relevante para o enredo, o que realmente chama a atenção em O Colonizador é a abordagem inteligente e delicada para um necessário debate sobre assédio e violência sexual. Além disso, não faltam críticas à falta de recursos para o setor de pesquisas científicas no Brasil.
O que pode ser um incômodo para alguns é a mudança em tom quando a história se aproxima dos capítulos finais, trazendo uma abordagem mais voltada para a ação, o que compromete o drama por uma tentativa de aumentar a escala do núcleo especulativo. Esse desvio narrativo acaba se mostrando um pouco impaciente ao executar sequências que lembram outros thriller FC, como os filmes Alien ou O Enigma de Outro Mundo.
Há um outro tropeço na revisão do texto, principalmente na perspectiva do narrador. A obra é apresentada por um ponto de vista em primeira pessoa, mas por algum motivo, um dos capítulos tem uma mudança inesperada para a terceira pessoa. Pode ser uma decisão da autora, mas pareceu confuso e sem propósito, por isso imagino que seja algo que passou despercebido pela revisão. Felizmente, nada que atrapalhe a experiência geral.
O Colonizador é mais um grande acerto da editora Plutão, que dessa vez trouxe uma das vozes mais fascinantes da ficção científica nacional contemporânea. Gabriele Diniz traz uma narrativa provocante, sem esquecer que uma das características mais fortes da ficção especulativa é aproveitar o universo fictício para comentar uma realidade que precisa ser encarada.
“Todos os meus contos são baseados na premissa fundamental que as leis, interesses e emoções humanas não possuem valor ou significância na vastidão do cosmos”
Conhecido também por ficção lovecraftiana ou até cosmicismo, o Horror Cósmico vem crescendo cada vez mais entre os fãs de ficção científica. E como dá para perceber pelo nome, a ficção lovecraftiana existe por conta do escritor Howard Phillips Lovecraft. Mas como gêneros literários são fenômenos em constante mudança e movimento, nunca é simples demais definir quem criou o quê de maneira tão simples.
Temos o próprio Edgar Allan Poe, que já trazia elementos de horror cósmico em suas obras antes de Lovecraft, tanto que Lovecraft se inspirou muito nele. Mas como o foco das narrativas de Poe é voltado para a escrita policial e de mistérios macabros, não só no horror cósmico, é compreensível porque foi na escrita de Lovecraft que o gênero tomou mais corpo. Suas obras são carregadas de elementos que marcaram o gênero, como sua atmosfera apocalíptica, horror corporal, um mal ancestral e indescritível, parasitas espaciais, entre vários outros. E é aí que entra a pergunta: O que é o horror cósmico, afinal?
Em seu ensaio “O horror sobrenatural na literatura”, de 1927, H.P. Lovecraft tenta explicar melhor o que ele considera uma verdadeira história de ficção Weird, que é um gênero no qual o horror cósmico se encaixa:
“O verdadeiro weird tale tem algo mais do que apenas homicídios, ossos ensanguentados ou uma lista de regras estabelecidas. Há uma certa atmosfera ofegante e um temor inexplicável de que forças siderais e desconhecidas possam estar presentes”.
Arte de Andree Waliin
Podemos seguir essa definição do próprio Lovecraft, o que muitos fazem, mas vamos debater mais sobre esse assunto. O horror cósmico é um gênero que explora o inevitável e o desconhecido. Diversas vezes falando sobre o encontro do ser humano com uma informação ou descoberta que não é capaz de compreender. Muitos chegam a ficar loucos por conta disso, e por isso a paranóia é bem comum em narrativas como essa.
Essa incapacidade de simplesmente não ter como reagir ou descrever o que está vendo, por conta de ser algo que desafia completamente a sua percepção do que é possível e real, é muito bem representado em um dos contos mais conhecidos de Lovecraft, “O Chamado de Cthulhu”, onde o autor descreve uma criatura que lembra uma mistura entre um polvo, um dragão e uma caricatura humana, com metros de altura e um par de asas.
Mesmo que o horror cósmico tenha monstros e outros tipos de criaturas que ajudam na construção da trama, essa é uma narrativa que também explora a insignificância humana comparada a vastidão do universo. É por conta disso que algumas pessoas costumam atribuir ao gênero uma característica de niilismo existencial, essa morte do sentido e da realidade. Por conta disso, os protagonistas costumam confrontar o pensamento de que sua existência é fútil comparada ao resto do universo, que o trata com indiferença.
Isso acaba trazendo um tom bem pessimista para o núcleo dramático do horror cósmico, o que faz com que muitos personagens simplesmente concluam sua jornada através do suicídio. Essas narrativas são caracterizadas pela falta de esperança.
Podemos usar o termo desespero do event horizon, ou o desespero do ponto de não-retorno. Esse termo (inspirado em um conceito da cosmologia) fala dessa linha, que uma vez atravessada, acaba com qualquer sentimento de esperança. Aqui, um personagem desistiu de tudo, seja sua missão, uma pessoa ou até a própria vida, e não há volta.
O gênero influenciou bastante a literatura, com autores como Stephen King, que entrou de cabeça na atmosfera do horror cósmico, e acabou criando um estilo próprio, que até serve de contraste para a abordagem Lovecraftiana, com suas obras IT: A coisa e O Iluminado. Além dele, temos a pesquisadora Julia Kristeva, que estuda a sensação de melancolia na literatura e a abjeção em narrativas de horror, como fez em Powers of Horror. E eu não posso deixar de mencionar Alan Moore, o mago dos quadrinhos, que já homenageou Lovecraft diversas vezes, principalmente em suas obras Neonomicon e Providence.
Alan Moore
A televisão também foi bastante influenciada por Lovecraft, como a recente produção da HBO, Lovecraft Country, uma série que se utiliza dos elementos narrativos do horror cósmico, mas vai além e traz uma inteligente análise do racismo, uma das características mais problemáticas do autor.
Outra série da HBO que bebeu da fonte Lovecraftiana é a primeira temporada de True Detective, onde o personagem Rust Cohle, interpretado por Matthew McConaughey, está constantemente fazendo monólogos sobre a insignificância dos rituais humanos dentro do contexto cósmico. Além disso, há várias referências visuais e menções à obras de Robert W. Chambers, Ambrose Bierce e, claro, o próprio Lovecraft.
Muitos costumam usar a animação Rick and Morty como exemplo para alguns dos temas do gênero, principalmente a crise existencial e o já mencionado desespero do ponto de não-retorno, mas uma outra animação que conseguiu carregar a mesma atmosfera e até referenciou algumas obras do autor em seus monstros da semana, foi a divertida e assustadora Coragem, o Cão Covarde.
No cinema, o horror cósmico tem sido um desafio para muitos diretores, principalmente Guillermo Del Toro, que tenta financiar uma adaptação de Nas Montanhas da Loucura, mas nunca consegue. Além disso, não é uma tarefa fácil representar visualmente um gênero conhecido por confrontar o indescritível.
Mas tivemos bons filmes, como O Nevoeiro, de Frank Darabont, onde um grupo de pessoas se esconde em um supermercado para fugir de uma tempestade, mas logo uma neblina toma conta da cidade e uma ameaça maior pode estar próxima. E também temos o drama Aniquilação, de Alex Garland, que discute o desconhecido e o inexplicável, quando um grupo de cientistas precisa investigar uma anomalia alienígena.
Mas o filme que talvez tenha melhor representado a paranóia e os elementos do horror cósmico de maneira inteligente seja O Enigma de Outro Mundo, de John Carpenter. Na trama, uma equipe de pesquisa na Antártida é aterrorizada por uma criatura alienígena capaz de assumir a aparência de qualquer ser vivo. Assim, todos precisa lidar com o fato de que eles possam ser a criatura.
Além da excelente direção de Carpenter, os efeitos visuais impecáveis e a música do mestre Ennio Morricone, O Enigma de Outro Mundo é um roteiro fortemente influenciado por Lovecraft, principalmente a sua obra Nas Montanhas da Loucura, onde o protagonista narra os eventos de uma expedição desastrosa à Antártida, na esperança de evitar que mais alguém tente retornar ao local.
O horror cósmico é um gênero que traz incontáveis possibilidades. E por isso é decepcionante ver como algumas narrativas de horror cósmico se limitando apenas aos elementos que causam o susto barato através das criaturas, que são ótimas, mas quando encaixadas em um bom enredo, um em que todo esse confronto humano com o vazio e o cósmico pode ser uma boa oportunidade para questionarmos a vastidão de nossa própria identidade.
Por que estou aqui? Qual o meu propósito? E se realmente existir vida lá fora, além da Terra? Não é questão de realmente ver o indescritível, muitas vezes é apenas o pensamento do que pode estar escondido nas sombras que aterroriza a mente humana.
Parabola do Semeador Octavia E Butler Morro Branco
“Todas as lutas são lutas por poder”
A ficção científica dispõe de diversas narrativas capazes de experimentar possíveis realidades distópicas, seja através dos governos totalitários ou até a opressão por conta de uma certa utopia alienadora. Muitas vezes, essas histórias são protagonizadas por um herói insatisfeito com a sua condição, que por fim se rebela contra o sistema e consegue trazer uma mudança no pensamento de todos, acabando com a figura opressora. Para a autora Octavia E. Butler, esse herói não existe, mas a mudança é possível, apenas exige muito esforço.
Em seu livro A Parábola do Semeador, lançado originalmente em 1993, Butler comenta a maneira na qual a história se repete através do comportamento humano. Seguindo a filosofia de vida de Nina Simone, na qual afirma que “o dever do artista é refletir sobre sua realidade”, Butler especula sobre nossos caminhos e os obstáculos que negligenciamos, principalmente os econômicos e ambientais.
A Parábola do Semeador começa em 2024 e é narrado por Lauren Oya Olamina, uma jovem vivendo em uma sociedade falida, afetada por mudanças climáticas e escassez de recursos básicos, como a própria água. Além disso, as cidades são controladas por grandes corporações, e quem não trabalha para elas, simplesmente tenta sobreviver como pode.
Arte conceitual de Eran Fowler
Lauren mora na Califórnia, em uma comunidade pequena, onde todos precisam andar armados e revestir os muros em volta com arame farpado e pedaços de vidro, isso porque são constantemente invadidos por pessoas procurando roubar seus poucos pertences, isso quando não possuem intenções ainda mais malígnas. Como se a situação não fosse ruim o suficiente, Lauren lida com um fenômeno chamado hiper empatia, que faz com que ela compartilhe a dor e o prazer de outras pessoas. Em um mundo onde existe apenas tristeza e solidão, sentir em demasia pode ser mortal.
“Mas se todos pudessem sentir a dor um do outro, quem torturaria? Quem causaria qualquer dor desnecessária a alguém?”
A literatura de Butler é carregada de símbolos, e por ser uma autora preta que começou a escrever ficção científica, gênero constituído majoritariamente por homens brancos, em uma época em que as manifestações por direitos iguais para a comunidade afro-descente nos Estados Unidos estava no auge, é fácil afirmar que seu ponto de vista era mais do que necessário, e isso explica o impacto de seu texto e a força com a qual retornou nos últimos anos, principalmente influenciando diretamente movimentos literários como o Afrofuturismo. No Brasil, suas obras têm sido publicadas pela editora Morro Branco (que também fez um excelente trabalho de resgate de outro grande autor, Samuel R. Delany).
A Parábola do Semeador carrega, em sua maior parte, um tom pessimista e deprimente, considerando a quantidade de violência “gráfica” durante os momentos mais pesados da obra, marcados por sangue e abuso. Octavia é uma escritora sem rodeios, seu texto é protesto e ela não tem medo de comentar temas arriscados de forma visceral. Sexo, religião, política e racismo são tópicos indispensáveis; e por mais que essa seja considerada uma expressão batida, poucos autores realmente “permanecem relevantes e atuais” como Butler.
Octavia E. Butler
Entre as diversas subtramas apresentadas no livro, mesmo que estejam acontecendo em segundo plano, temos um personagem chamado Donner, um político vivendo pela sua promessa em “trazer de volta a glória, a riqueza e a ordem do século XX”. As semelhanças com o contexto político atual não é uma previsão, mas as preocupações de uma autora capaz de estudar a humanidade e nos lembrar como a história é cíclica, e vive se repetindo.
“Os fracos podem vencer os fortes se os primeiros resistirem. Persistir nem sempre é seguro, mas costuma ser necessário”
Butler nos traz uma protagonista complexa. Lauren é jovem e impulsiva, mas também é inteligente e sua empatia faz com que o senso de comunidade seja mantido mesmo em um cenário tão desolador. A relação de Lauren com sua religião, e por extensão seu Deus, é outro grande diferencial da obra. Para a personagem, Deus representa mudança, mas é indiferente, não favorece ou detesta, apenas é. Essa abordagem mais filosófica encaixa bem com a natureza da narrativa, principalmente considerando sua ambientação.
A escrita da autora é quase cinematográfica, com descrições rápidas, mas eficientes. Um diálogo pode mudar completamente o rumo de tudo; há atenção aos detalhes, como pequenos trejeitos dos personagens; as sequências de ação são cheias de tensão por conta do texto limpo e objetivo, mas impactante.
Arte de John Jude Palencar
Há até espaço para que Butler crie sua própria corrida espacial, introduzindo elementos como exploração e colonização do espaço, que continua acontecendo, mesmo com todos os problemas na Terra de 2024. Esse pode ser um comentário da autora sobre os movimentos pelos direitos civis da década de 1960, onde era possível ver o contraste entre a comunidade afro-americana lutando por igualdade racial enquanto o resto da atenção dos EUA se voltava à chegada do homem à lua.
A Parábola do Semeador é um livro intenso e corajoso. Até onde o ser humano consegue aguentar e seguir em frente, mesmo que todos pareçam estar contra você? A jornada de Lauren é difícil e perigosa, mas é necessária apenas uma semente de empatia para que uma enorme mudança aconteça.
Aldous Huxley entra na lista de autores que mudaram completamente a ficção científica e a literatura pela maneira que usou o seu enredo para construir uma crítica social e política pertinente até hoje. Sua narrativa distópica, Admirável Mundo Novo, publicado originalmente em 1932, coloca o nome de Huxley entre grandes como George Orwell (1984) ou Ievguêni Zamiátin (Nós), mas há uma riqueza em detalhes e elementos que fazem com que sua obra divirja das demais.
A proposta inicial de Admirável Mundo Novo está na exploração da humanidade através do avanço das civilizações, principalmente em um contexto tecnológico. O que a obra consegue, além de entregar uma leitura provocante, é explorar tópicos inéditos, prevendo avanços científicos como os conceitos de hipnopedia e manipulação psicológica, assim como estudos envolvendo manipulação genética e a abordagem behaviorista.
Na futurística Londres de 632 d.F, é o Estado Mundial quem dita as regras, sustentando o seu lema de “comunidade, identidade e estabilidade”. Criados em laboratório, os habitantes possuem funções pré-determinadas para manter uma hierarquia social (dividida em castas) capaz de atingir um equilíbrio utópico, um futuro onde a velhice pode ser retardada, a solidão é literalmente proibida e pensamentos ruins podem ser eliminados pelo consumo de uma droga chamada soma.
Assim, somos apresentados ao personagem Bernard Marx, que ao contrário de seus companheiros faz questão de ser crítico ao governo e possui um complexo de inferioridade por conta de sua baixa estatura, mesmo fazendo parte de uma das castas mais altas da sociedade. Ao contrário dele, Lenina Crowne é uma jovem contente e sem medo de demonstrar seus desejos sexuais ou a alegria em depender de soma. O único amigo de Marx é Helmholtz Watson, escritor insatisfeito com seu trabalho.
Aproveitando suas férias ao lado de Lenina, Bernard visita Malpaís, uma reserva selvagem fora do território comandado pelo governo. Eles conhecem John, um rapaz que cresceu na reserva depois de sua mãe se perder no local e engravidar, uma vergonha tão grande que a fez abandonar o Estado Mundial. Isso também faz com que John não seja acolhido pela tribo, e aprenda a ler por meio da única fonte de leitura acessível, uma coleção das peças de Shakespeare. Ao retornar para a cidade, Bernard e Linda são acompanhados pelo selvagem.
Narrativas distópicas correm o risco de se limitar aos elementos superficiais do gênero, como os governos totalitários e a ambientação desoladora, e oferecer uma construção de mundo rasa e péssima execução. O principal risco de Aldous Huxley está em sua tentativa de examinar um sistema totalitário através de uma aparente utopia. Há regras e limitações, mas a verdadeira distopia é aquela abraçada pela própria população, confortável em sua alienação e ignorância. A farsa é acolhedora, e não há tempo para insatisfação contra o governo quando ele proporciona tantas opções tentadoras e convenientes de manter a sociedade distraída.
“Um Estado totalitário verdadeiramente eficiente seria aquele em que os chefes políticos […] e seu exército de administradores controlassem uma população de escravos que não tivessem de ser coagidos porque amariam sua servidão” (Huxley)
Apoiado em uma crítica direta ao Fordismo, os conceitos de produção em massa e a homogeneidade de seres humanos em Admirável Mundo Novo são essenciais para compreendermos a construção de mundo proposta pelo autor. Mesmo que os personagens julguem-se livres de religiões ou mesmo um Deus, a admiração instintiva à figura do magnata industrialista Henry Ford, considerado o “criador” dessa sociedade, carrega seus próprios dogmas. Não só clamam e juram em nome de Ford, como todo o calendário é remodelado para adotar o termo d.F (“depois de Ford”). A data na obra é descrita como 632 d.F, equivalente ao ano 2540 d.C.
De acordo com Huxley, sua maior inspiração para a obra é o autor H.G. Wells e seu romance Men Like Gods. Valendo-se de alguns elementos, Admirável também compartilha similaridades (ao ponto de alguns considerarem plágio) com a distopia Nós, do russo Ievguêni Zamiátin. Além de referenciar Wells, Huxley utiliza outros nomes não ficcionais para uma base mais realista no estabelecimento do contexto da obra, e ao lado de Henry Ford, temos figuras como Sigmund Freud e Ivan Pavlov criando um paralelo com os principais temas da obra.
Com tantos argumentos para explorar, o texto limpo e descritivo de Huxley contribui para uma leitura que deixa clara a sua intenção e não cai na armadilha de ser enfadonho. Ainda que seja necessariamente expositivo através de alguns diálogos e tenha um clímax onde acaba soando mais didático do que o exigido, o autor faz um excelente trabalho na execução dos temas que propõe. Compreendemos as circunstâncias daquele mundo, portanto o livro oferece informações como a extinção de determinados animais e línguas ou seus rituais sociais. Por serem criados em laboratório e receber funções específicas, os personagens acham conceitos como casamento ou família uma noção absurda e comicamente ofensiva.
Aldous Huxley
Entre as várias previsões imprevistas de Huxley, a concepção de um “Cinema Sensível” é uma das mais certeiras, apresentando um cinema sensorial onde toda a experiência de estar em uma sala escura é elevada por conta de artifícios sensoriais, como a sessão ser acompanhada de “um órgão de perfumes”. Com exceção de termos hoje tecnologia capaz de fazer cadeiras vibrantes e realidade virtual, o livro também aproveita o entretenimento descartável com o propósito de manter sua população dessensibilizada, exibindo filmes com teor racista, xenofóbico e sexista.
A experiência de assistir uma obra de arte é trocada pelo próprio ato de ir ao cinema e se maravilhar com todas as novas tecnologias capazes de forçar uma imersão que o filme sozinho é incapaz de realizar. Os habitantes do Estado Mundial tem bibliotecas a sua disposição, mas ler é um esforço mental e solitário demais para eles, e por isso as reuniões no cinema sensível são uma das formas mais cômodas de interação.
“A beleza atrai, e nós não queremos que ninguém seja atraído pelas coisas antigas. Queremos que amem as novas […] O mundo agora é estável. As pessoas são felizes, têm o que desejam e nunca desejam o que não podem ter. Sentem-se bem, estão em segurança; nunca adoecem; não têm medo da morte; vivem na ditosa ignorância da paixão e da velhice; não se acham sobrecarregadas de pais e mães; não têm esposas, nem filhos, nem amantes por quem possam sofrer emoções violentas; são condicionadas de tal modo que praticamente não podem deixar de se portar como devem”.
O enredo de Huxley enfatiza o desenrolar dos eventos e deixa o núcleo dramático em segundo plano. Não obstante, há espaço para boas cenas envolvendo as personagens, e mesmo que a obra alterne pontos de vista, eles se mantém entre Bernard, Lenina e John. Enquanto Bernard serve como o observador inicial capaz de ressaltar as inconveniências do mundo ficcional e Lenina cai em um infeliz padrão de narrativas especulativas em que personagens femininas são tratadas apenas como interesse amoroso ou acompanhante reagindo aos feitos do protagonista masculino, é John a figura mais fascinante e complexa.
Apelidado de “Selvagem”, John é introduzido em um ponto de ruptura da história. Ele tem uma abordagem mais direta com o mundo distópico, enfrentando o contraste cultural entre sua reserva, limitada em recursos, mas rica em rituais e história; e o Estado Mundial, abundante em informação, mas sem interesse por parte da população. Fazer com que o selvagem use a literatura de Shakespeare como a sua única forma de comunicação verbal, é uma das decisão mais inteligentes de Huxley. Em um mundo onde a cultura não é incentivada e a população está confortável com seu destino pré-determinado, a beleza de uma poesia pode não só confundi-los, como incomodar a estrutura social.
“As flores do campo e as paisagens […] têm um grave defeito: são gratuitas. O amor à natureza não estimula a atividade de nenhuma fábrica”
Admirável Mundo Novo se destaca entre outros livros do gênero por conta de sua abordagem e execução. Em uma narrativa clara, Aldous Huxley entrega um estudo notável sobre a humanidade e questiona se realmente é possível ou válida a promessa de uma utopia.
Distribuído pelo serviço de streaming Amazon Prime Video, A Vastidão da Noite (The Vast of Night, 2019), explora uma noite na pequena cidade fictícia de Cayuga, onde um apresentador de rádio e uma operadora de telefone captam uma frequência misteriosa e decidem investigar, mas esse é só o primeiro dos absurdos que a noite separou para eles.
O filme já está disponível no Prime Video, mas infelizmente não tem recebido a atenção merecida, então decidi trazer uma rápida crítica para indicar essa obra independente e cheia de estreantes na equipe, mas muito bem executada.
Imagem do filme O Guia do Mochileiro das Galaxias estrelado por Martin Freeman
Apenas um autor foi capaz de compreender a verdade por trás da vida, do universo e tudo mais. Infelizmente, ele nunca divulgou a descoberta, estava ocupado demais com a data limite para entregar seus projetos. Douglas Adams é o alquimista responsável pelo melhor, ou pelo menos o mais popular, casamento entre comédia e ficção científica da literatura.
Desenvolvido originalmente como um programa de rádio para a BBC em 1978, O Guia do Mochileiro das Galáxias foi traduzido para várias mídias, tendo uma adaptação seriada em 1981 e um longa-metragem de 2005, mas foi através de sua “trilogia” de cinco livros que a história teve uma vida mais longa, e foi onde o autor dedicou a maior parte da sua carreira. Com uma proposta absurda e uma execução ainda mais louca, Douglas Adams criou um fenômeno literário e um marco da cultura pop.
Há tantos elementos essenciais para a obra que fica difícil poder sintetizar uma simples premissa, mas eu vou tentar. Tudo começa com Arthur Dent, um britânico infeliz e entediado que faz uma enorme descoberta: a Terra está para ser destruída por uma raça alienígena, os Vogons, que pretende tirar o planeta do caminho para construir uma supervia intergalática. Mas Dent é salvo da destruição por Ford Prefect, outro alienígena infiltrado no planeta para estudar os humanos e registrar as suas observações no “Guia do Mochileiro das Galáxias”, a mais bem-sucedida enciclopédia jamais publicada pelas editoras de Ursa Menor.
Arthur Dent e Trilliam, na versão cinematográfica de 2005
Assim, acompanhado de Ford e levando consigo apenas o roupão de banho que estava vestindo, Arthur segue em uma jornada espacial, conhecendo figuras cada vez mais excêntricas. Uma delas é Zaphod Beeblebrox, o presidente do Governo Imperial Galáctico que acabou de roubar a nave Coração de Ouro, equipada com um gerador de improbabilidade infinita, um conceito tão bizarro que precisou de um capítulo próprio para ser definido. Com ele, viajam a humana Tricia McMillan, apelidada de Trillian, e um depressivo Marvin, o “andróide paranóico”.
Como deu para notar, a proposta do autor não é apenas uma sátira dos elementos narrativos da ficção científica, como também é uma grande piada com o cotidiano da vida na Terra, usando do bom e velho humor britânico para expressar da forma mais trivial possível a importância de coisas como toalhas, poesia alienígena ou o número 42. Douglas Adams tira inspiração de dois grandes patrimônios culturais para os ingleses, a ciência de Doctor Who e a comédia do grupo Monty Python, dois projetos com o qual ele já chegou a colaborar com seus textos.
Mesmo brincando com o gênero, alguns conceitos de Douglas para a obra acabam reforçando sua habilidade de construir mundos loucos, porém consistentes. Idéias como o peixe-babel, um aparelho auditivo que traduz qualquer língua através das ondas sonoras, é um dos exemplos que mostra como o autor não só usa a ciência como alvo das piadas, mas procura uma maneira inteligente de introduzi-la na narrativa. O que ele faz de brincadeira, muitos escritores sequer fazem questão de salientar em suas histórias, e isso é mais um indício de como a comédia pode ser um excelente recurso para elaborar uma crítica, mesmo que a principal intenção seja fazer o público rir.
Douglas Adams
Por mais que os personagens de Guia sejam memoráveis e divertidos, a escrita de Douglas brilha mais quando está construindo as situações cômicas na qual insere esses personagens, mas o autor não entrega, e nem parece ter a intenção, uma carga dramática eficaz. Se por um lado é impossível parar de rir com a narrativa, a leitura pode ser comprometida pela forma que negligencia entregar arcos dramáticos mais complexos para seus personagens. É compreensível que Adams queira usar seu livro mais como uma análise bem humorada de figuras políticas, da burocracia do cotidiano ou o absurdo e aleatoriedade da existência, mas desenvolver melhor seus personagens poderia deixar a obra ainda mais completa.
O Guia do Mochileiro das Galáxias pode não levar a sério os próprios questionamentos que levanta, mas a diversão está em apenas levantar essas perguntas, que nem sempre passam pela nossa cabeça, mas depois de ler o primeiro livro da série, jamais desaparecem. Toda a trilogia de cinco carrega seus pontos positivos e negativos, mas a jornada é tão rápida, divertida e despretensiosa que você só quer voltar para o início de novo e aproveitar o texto de Douglas Adams, o melhor no que faz.
